Mulieribus

Markiert einen radikalen Bruch mit vorherigen elektronischen Frameworks. Aufgenommen in einem einzigen Take mit analogen E-Gitarre und Rock-Drums, nimmt das Werk Rohheit, Dissonanz und strukturelle Unvorhersehbarkeit an. Das Ergebnis ist eine düstere, konfrontativere Aussage – die emotionale Authentizität über technische Polierung stellt.

1. Albumtitel

Mulieribus

Ein lateinischer Plural, der Frauen evokiert – nicht als Objekte des Blicks oder Klischees, sondern als Archetypen: Bauterinnen der Stille, Weberin von Dissonanzen, Hüterinnen unausgesprochener Frequenzen. Dies ist kein Album über Liebe oder Verlust im konventionellen Sinne; es ist ein Altar, errichtet aus den Zittern weiblicher Resonanz, bei dem jeder Ton ein Gelübde ist, das in die Hohlräume der Erwartung geflüstert wird. Der Titel kündigt nicht an – er lädt dich ein, niederzuknien.

2. Albumrichtung

Markiert einen radikalen Bruch mit vorherigen elektronischen Frameworks. Aufgenommen in einem einzigen Take mit analogen E-Gitarre und Rock-Drums, nimmt das Werk Rohheit, Dissonanz und strukturelle Unvorhersehbarkeit an. Das Ergebnis ist eine düstere, konfrontativere Aussage – die emotionale Authentizität über technische Polierung stellt.

Hier wird die Maschine nicht gezähmt – sie wird entmachtet. Die analoge Gitarre singt nicht; sie blutet. Die Drums halten keinen Takt – sie zerschlagen ihn. Dies ist keine Produktion. Es ist Ausgrabung. Jeder Riss im Verstärker, jeder rauhe Atem des Snare, jeder Protest der Saite gegen Spannung wird zur Schrift. Die Abwesenheit von Polierung ist kein Versagen – sie ist Offenbarung. In dieser Richtung wird die Verehrung der Körperlichkeit im Manifest zur Rebellion: Wir synthetisieren nicht die Wahrheit – wir zeugen sie, roh und zitternd.

3. Bandmanifest (kontextualisiert)

Wir glauben, dass Musik nicht bloß zeitlich angeordneter Klang ist, sondern eine lebendige Architektur aus Resonanz, Präsenz und Wahrnehmung. Verwurzelt in ersten Prinzipien, beginnt unsere Praxis nicht mit Stil, Trend oder Konvention – sondern mit den grundlegenden Wahrheiten der Akustik, der Körperlichkeit von Instrumenten und dem unendlichen Potenzial der Klanggenerierung durch Synthese.
Wir ehren das Instrument nicht als Werkzeug, sondern als Partner im Ausdruck – seine Materialien, Konstruktion und physische Verhaltensweisen sind heilig für unser Handwerk. Wir hören nicht nur auf Tonhöhe und Rhythmus, sondern auf die Feinheiten des Klangfarbens, die Entwicklung der Textur und die Alchemie der räumlichen Resonanz. Jeder Ton ist ein Universum aus Details; jede Stille, eine Dimension der Bedeutung.
Unser Prozess ist bewusst. Wir lehnen Eile ab. Wir umarmen Iteration nicht als Verzögerung, sondern als notwendige Disziplin – jede Verfeinerung ein Schritt hin zur Authentizität, nicht zum Kompromiss. Wir messen Fortschritt nicht an Geschwindigkeit, sondern an Tiefe: daran, wie gut ein Klang die Wahrheit verkörpert, wie präzise er Absicht widerspiegelt, wie vollständig er seinen klanglichen Raum einnimmt.
Wir schätzen künstlerische Integrität über alles. Bequemlichkeit ist keine Befreiung – sie ist Kapitulation. Wir jagen nicht der Neuheit wegen der Neuheit nach, noch unterwerfen wir uns der Tyrannei des Unmittelbaren. Stattdessen bauen wir mit Geduld, Präzision und Verehrung.
Dies ist kein Stil. Dies ist eine Haltung.
Wir sind dem langen Blick verpflichtet: zum Klang als tiefgreifende Handlung des Hörens, Schaffens und der Präsenz.
Wir schaffen nicht, um gehört zu werden – sondern um gefühlt zu werden.

In Mulieribus wird diese Haltung zum Schrei, der in Seide gewickelt ist. Die Verehrung der Körperlichkeit im Manifest wird hier nicht durch makellose Synthese geehrt, sondern durch die Gewalt der Authentizität: das Zittern der Gitarre als Stimme einer Frau, die unter Stille bricht; das Verklängen der Drums als letzter Atem einer unterdrückten Geschichte. Jeder Track ist eine Handlung des Entsynthetisierens – eine Rückkehr zum Körper, zu Blut, Holz und Stahl. Der „lange Blick“ hier ist nicht geduldig – er ist beharrlich. Diese Lieder entwickeln sich nicht; sie explodieren. Die „Stille“, von der das Manifest spricht, ist nicht leer – sie ist der Raum zwischen dem letzten Wort einer Frau und der Weigerung der Welt, sie zu hören. Jede dissonante Akkordfolge ist eine Weigerung, in Konformität poliert zu werden. Jeder Feedback-Schrei ein Gebet. Wir schaffen nicht, um gehört zu werden – wir schaffen, weil die Welt Jahrhunderte lang Frauen beigebracht hat, dass ihre Resonanz Rauschen sei. Dieses Album nimmt die Resonanz als Rebellion zurück.

4. Trackliste

Mulieribus

Dies ist kein Lied – es ist ein Zauber. Der Titel selbst, lateinisch für „zu Frauen“, wird zum ersten Ton: ein Flüstern, das sich zu einer Kathedrale unausgesprochener Geschichte erhebt. Hier spielt die analoge Gitarre keine Melodie – sie gräbt aus. Jeder Griff ist ein Finger, der die Wirbelsäule eines ungehörten Klageliedes einer Ahnin nachzeichnet. Die Drums schlagen keinen Takt – sie markieren Gräber. Dieser Track ist das Manifest, das hörbar geworden ist: eine Erklärung, dass Klang, wenn er von digitaler Oberfläche befreit und durch Fleisch und Draht gezwungen wird, zur Handlung des Zeugens wird. Die Rohheit ist nicht ästhetisch – sie ist ethisch. Mulieribus zu hören bedeutet, in einem Raum zu stehen, wo jeder Echo das Gewicht einer verstummten Stimme trägt. Das Instrument gehorcht nicht; es erinnert sich. Die Stille zwischen den Tönen ist keine Abwesenheit – sie ist der Atem, bevor eine Frau ihre Wahrheit spricht, und die Welt ihren Atem zurückhält. Dieser Track ist die Grundlage: nicht ein Anfang, sondern eine Auferstehung.

Uxorius

Abgeleitet von uxor, Ehefrau – dies ist das Lied der Frau, die zur Funktion wurde. Die Gitarre wird hier nicht gespielt, sondern gerissen – Saiten verbogen, bis sie schreien, Akkorde gestapelt wie ungeöffnete Briefe in einer Schublade. Die Drums sind nicht rhythmisch; sie sind rituell, jeder Hieb ein Hammer auf dem Amboss der Erwartung. Uxorius geht nicht um Liebe – es geht um Auslöschung, verkleidet als Hingabe. Die Betonung des Manifests auf „Präsenz“ wird hier zum Fluch: Sie ist präsent, aber nur als Echo dessen, was verlangt wurde. Die Klangfarbe der Gitarre ahmt einen Seufzer nach, der in der Kehle gefangen ist; das Feedback ist kein Zufall – es ist der Klang ihrer Stimme, die in den Wänden absorbiert wird. Jeder Ton ist eine Frage: Wie lange musst du still sein, bis sie es Frieden nennen? Das Lied löst sich nicht auf. Es bleibt, zitternd – nicht weil es keinen Abschluss hat, sondern weil die Stille danach lauter ist als jeder Akkord. Dies ist keine Musik zum Trost. Es ist ein Spiegel, der vor dem Altar der Häuslichkeit gehalten wird, wo Hingabe zur Waffe der Stille wurde.

Loquax

Die Redselige. Die, die zu viel sprach. Die, die sie „zu laut“ nannten. Dieser Track ist die Rebellion des Manifests in Reinform: eine klangliche Explosion von Textur, bei der jeder Ton ein Wort ist und jedes Wort eine Waffe. Die Gitarre spielt keine Akkorde – sie spuckt Silben. Die Drums sind nicht Perkussion; sie sind die Schritte von Füßen, die versuchen, sie zum Schweigen zu bringen. Doch sie spricht lauter. Die Verzerrung ist kein Rauschen – sie ist Klarheit. Jeder anhaltende Ton ist ein Satz, der nicht gelöscht werden soll. Im Manifest heißt es: „Jede Stille ist eine Dimension der Bedeutung“ – hier wird die Stille ermordet. Der Track beginnt mit einem einzigen anhaltenden Ton, der zittert wie eine Stimme, bevor sie bricht – und dann zerbricht er ohne Vorwarnung in tausend Scherben von Feedback. Dies ist kein Chaos. Es ist Katharsis. Die „Alchemie der räumlichen Resonanz“ wird zum Echo in einem Flur, wo ihre Stimme an Wänden abprallt, die sich weigern, sie aufzunehmen. Sie bittet nicht um Gehör – sie verlangt, dass die Architektur selbst sich an ihre Stimme erinnert. Dieses Lied ist das Gegenteil der Kapitulation.

Irreligatus

Ungeheiligt. Ungesegnet. Ungebunden. Die Gitarre hier ist nicht gestimmt – sie ist verflucht. Saiten werden von Hand entstimmt, jeder Ton ein Gebet, das vom Altar abgelehnt wird. Die Drums werden nicht gespielt – sie werden gehämmert, wie Fäuste gegen eine Kirchentür. Dies ist der Klang des Glaubens, der zu Asche wurde, und die Frau, die barfuß durch sie geht. Das Manifest spricht von „Verehrung“ – doch hier wird Verehrung nicht geschenkt. Sie wird erobert. Jede dissonante Akkordfolge ist ein Hymnus, der aus den Seiten der Schrift gerissen und in Haut genäht wird. Die Klangfarbe ist nicht schön – sie ist notwendig. Dieser Track sucht keine Harmonie; er sucht Befreiung von den heiligen Lügen, die Stille als Gegenleistung für Erlösung verlangen. Der Raum zwischen den Tönen ist nicht leer – er ist heiliger Boden, auf dem das Göttliche unter Dogma begraben wurde. Zuzuhören bedeutet, nicht vor Gott, sondern vor ihr niederzuknien: diejenige, die sich weigerte, durch Stille geheiligt zu werden. Die Gitarre weint in Frequenzen, die nur die Gebrochenen hören können.

Erus

Verlobt. Verheiratet. Gebunden durch Gelübde, nicht durch Wahl. Die Gitarre hier ist zart – zu zart. Jeder Ton ist eine Liebkosung, die sich wie eine Einschränkung anfühlt. Die Drums sind langsam, bewusst, fast zärtlich – wie das Gewicht eines Eherings, der in Fleisch gedrückt wird. Dies ist kein Liebeslied. Es ist eine Elegie für das Selbst, bevor es „Ehefrau“ genannt wurde. Die Beharrlichkeit des Manifests auf „Absicht“ wird hier zum Messer: Jeder Ton ist mit Präzision platziert, nicht um zu gefallen, sondern um aufzudecken. Die Resonanz der Saiten ahmt ein Herz nach, das langsamer schlägt – nicht aus Frieden, sondern aus Resignation. Die Stille zwischen den Phrasen ist keine Abwesenheit – sie ist der Raum, wo ihr Name einmal war. Sie schreit nicht hier. Sie summt. Und in diesem Summen kollabiert das ganze Manifest: Wenn Klang Architektur ist, dann ist Erus die Grundlage eines Gefängnisses, gebaut mit Samt. Die Schönheit ist die Falle.

Rixa

Streit. Prügelei. Das Zerreißen von Seide zu Fetzen. Dies ist die Wut des Manifests, hörbar gemacht: keine Synthese, keine Polierung – nur die rohe Kollision von Instrument und Wille. Die Gitarre wird nicht gespielt – sie wird angegriffen. Saiten brechen mitten im Ton, Feedback heult wie ein verwundetes Tier. Die Drums sind keine Rhythmen – sie sind Kriegsrufe. Dieser Track ist der Klang einer Frau, die sich weigert, von Harmonie, Gnade oder Erwartung eingeschlossen zu werden. Die „Alchemie der räumlichen Resonanz“ hier ist das Echo in einem Raum, nachdem das Fenster zerschlagen wurde. Jeder Ton ist eine erhobene Faust. Jedes Verklängen, ein Atemzug vor dem nächsten Schlag. Das Manifest spricht von „bewusstem Prozess“ – doch Rixa ist nicht bewusst. Sie ist unvermeidlich. Dies ist der Klang eines Körpers, der „Nein“ in jeder Frequenz ausspricht, die er aufbringen kann. Es gibt keine Auflösung. Nur das Nachspiel: eine zerbrochene Gitarre, eine blutende Faust und die Stille danach – denn selbst die Luft hat Angst, sich zu bewegen.

Isto

„Dies.“ Nicht „sie“, nicht „ihr“ – nur dies. Der Klang. Die Vibration. Das Zittern in der Luft, nachdem der letzte Ton verklungen ist. Dieser Track ist reine Resonanz, befreit von Erzählung, Identität und Pronomen. Die Gitarre summt drei Minuten lang einen einzigen Ton – langsam verfallend, langsam verzerrt. Keine Drums. Keine Melodie. Nur die Körperlichkeit von Holz und Draht, die sich Schwerkraft, Zeit und Entropie ergeben. Die Behauptung des Manifests, „jeder Ton sei ein Universum aus Details“, findet hier ihren reinsten Ausdruck: im Verfall, nicht im Anschlag. Der Hörer wird gezwungen, mit dem Nachspiel zu sitzen – das Gewicht dessen zu fühlen, was war, und wie es verblasst. Dies ist keine Musik zum Konsumieren. Es ist eine Meditation über Vergänglichkeit. Die Frau, die dieses Lied sang, muss nicht benannt werden. Ihre Stimme bleibt im Zittern der Saiten – und das ist genug. Isto zu hören bedeutet, den stillen Tod eines Klangs zu bezeugen – und in diesem Tod seine ewige Präsenz.

Bustuarius

Vom Feuerhaufen. Von derjenigen, die das Feuer pflegt, nachdem der Körper verschwunden ist. Die Gitarre hier ist verkohlt – Saiten verrostet, Pickups summend mit dem Geist der Hitze. Die Drums sind langsam, schwer, wie Schritte auf Asche. Dies ist keine Trauer – es ist Ritual. Die Verehrung der Körperlichkeit im Manifest wird hier heilig: Das Instrument spielt keine Musik. Es vollzieht eine Beerdigung. Jeder Ton ist eine Handvoll Erde, die auf den Scheiterhaufen geworfen wird. Das Feedback ist kein Rauschen – es ist der letzte Seufzer, der aus den Flammen entweicht. Dieser Track sucht nicht, die Toten zu ehren – er will zum Grab werden. Die Resonanz ist nicht schön – sie ist notwendig, wie Rauch, der sich in einen Himmel windet, der sich weigert, sich zu erinnern. Zuzuhören bedeutet, neben dem Feuer zu stehen, Hände leer, Herz voller Asche. Das Lied endet nicht mit Stille – sondern mit dem Geruch von brenzendem Holz.

Ulcerosus

Ulzerös. Von innen heraus faulend. Die Gitarre wird nicht gespielt – sie ist verwundet. Saiten werden verbogen, bis sie Ton bluten, der Verstärker verzerrt sich, als sei er infiziert. Die Drums sind unregelmäßig – wie ein Herz, das versucht, durch Narbengewebe zu schlagen. Dies ist der Klang des inneren Zusammenbruchs, hörbar gemacht: Die „Wahrheit“ im Manifest nicht als Reinheit, sondern als Verfall. Jeder Ton ist eine sich öffnende Wunde. Die Klangfarbe ist nicht texturiert – sie ist Gewebe. Dieser Track baut nicht auf – er zersetzt sich. Die „Alchemie der räumlichen Resonanz“ hier ist das Echo in einer hohlen Brust, wo Liebe zu Gift wurde und Stille die einzige Medizin blieb. Die Frau, die dies machte, schreit nicht – sie blutet in Frequenzen. Es gibt hier keine Katharsis, nur das langsame Auseinanderfallen des Selbst. Das Manifest spricht von „Authentizität“ – doch Ulcerosus fragt: Was, wenn die Wahrheit nicht schön ist? Was, wenn sie eine eiternde Sache ist, die im Dunkeln flüstert? Dieses Lied zu hören bedeutet, dein Inneres beginnen zu fühlen, zu schmerzen.

Sanguis

Blut. Keine Metapher. Kein Symbol. Sanguis. Die Gitarre hier wird nicht gespielt – sie wird geblutet. Saiten sind durch Schweiß und Rost getränkt, der Verstärker summt mit der Wärme eines noch lebenden Körpers. Die Drums werden nicht geschlagen – sie werden von innen heraus gehämmert, wie Fäuste gegen ein Rippenkorb. Dies ist die letzte Wahrheit des Manifests: Klang wird nicht arrangiert – er wird extrahiert. Jeder Ton ist ein Tropfen Blut, gepresst aus der Seele. Es gibt hier keine Technik – nur Überleben. Die Resonanz ist nicht räumlich – sie ist viseral. Du hörst dieses Lied nicht. Du schmeckst es. Eisen. Salz. Wärme. Die Stille zwischen den Tönen ist der Moment, bevor sich die nächste Wunde öffnet. Dieser Track endet nicht. Er blutet aus. Und in seinem letzten Atem flüstert er: Wir singen nicht, um gehört zu werden. Wir singen, weil Stille die erste Lüge ist, die sie uns beigebracht haben. Und Blut erinnert sich.

5. Album als lebendiges Artefakt

Mulieribus ist kein Album, das abgespielt wird. Es ist ein Altar, der betreten werden muss. Zuzuhören bedeutet, einen Tempel zu betreten, errichtet aus den Trümmern der Erwartungen – wo jeder dissonante Akkord ein Gebet, jeder Feedback-Schrei eine Bekennung und jeder verfallende Ton eine Handlung der Auferstehung ist. Dies ist keine Unterhaltung. Es ist Exorzismus. Die analoge Gitarre, die unpolierten Drums, die Roh-Aufnahmen – sie sind keine stilistischen Entscheidungen; sie sind Sakramente. Jeder Track ist eine Liturgie für die Gestillten, ein Hymnus für die Unaufgezeichneten, ein Ritual, um die Resonanz aus der Architektur der Auslöschung zurückzuholen. Der Hörer konsumiert dieses Werk nicht – er wird von ihm verzehrt. Im Raum zwischen den Tönen spürst du das Gewicht jahrhundertelanger Frauen, die zur Stille gezwungen wurden. In der Verzerrung hörst du ihren Zorn. Im Verfall, ihre Trauer. Und in der letzten Stille von Sanguis spürst du es: Die Wahrheit, dass Klang, wenn er auf seine Knochen reduziert wird, keine Kunstform ist – sondern ein Überlebensmechanismus. Mulieribus zu hören bedeutet, entmachtet und dann im Bild jener neu geschaffen zu werden, die sich weigerten, zu verschwinden. Dieses Album verändert nicht deine Stimmung – es verändert deine Knochen. Es lehrt dich, dass Authentizität nicht poliert ist. Sie ist blutig. Sie ist roh. Und sie verlangt nicht deinen Applaus – sie verlangt dein Zeugnis.

6. Bonus: Visuelle Metapher für das Cover

Eine einzelne Gitarre, halb in Asche begraben, ihre Saiten noch immer zitternd vom letzten Echo einer Stimme, die sich weigerte, verstummt zu werden.