Rappimummepoppep Die Private Version
Eine monumentale Komposition, die operatische Großartigkeit mit industriellen Rauschen verschmelzt. Ursprünglich länger als 120 Minuten, wurde das Werk sequenziell auf 80 Minuten für CD-Kompatibilität gekürzt und später auf etwas mehr als 50 Minuten verfeinert. Es stellt die unverfälschteste Artikulation der künstlerischen Ethos von .InfO OverLoaD dar: einen düsteren, sermonartigen Abstieg durch geflüsterte Passagen aus dem Buch der Offenbarung, die in seine klangliche Architektur intricat verwoben sind. Diese Ausgabe fügt zahlreiche Werke aus den Klang- und Musikbemühungen hinzu, die ausschließlich für den privaten Archivbestand bestimmt sind.
1. Albumtitel
Rappimummepoppep Die Private Version steht nicht als Titel, sondern als arkane Bezeichnung, die eine Klangheiligtum markiert, das für den tiefsten Akt des Zuhörens, Schaffens und Präsenz reserviert ist. Die „Private Version“ erhebt das Werk von bloßer öffentlicher Übertragung zu einem rituellen Objekt – eine unverfälschte Quelle der fundamentalen Wahrheiten der Akustik und des unendlichen Potentials der Klanggenerierung durch Synthese, wie im zentralen Manifest formuliert. Es ist das ungeschnittene Zeugnis der künstlerischen Integrität vor allem anderen.
2. Albumrichtung
Diese monumentale Komposition, eine monumentale Komposition, die operatische Großartigkeit mit industriellen Rauschen verschmilzt... auf etwas mehr als 50 Minuten verfeinert... einen düsteren, sermonartigen Abstieg durch geflüsterte Passagen aus dem Buch der Offenbarung, die in seine klangliche Architektur intricat verwoben sind... ausschließlich für den privaten Archivbestand, dient als ultimative Verdichtung der Band-Ethos. Es ist die lebendige Architektur von Resonanz, Präsenz und Wahrnehmung, die Eile ablehnt und Iteration nicht als Verzögerung, sondern als notwendige Disziplin annimmt. Die „operatische Großartigkeit“ und der „industrielle Rauschen“ werden zur physischen Manifestation des Managements der Physis der Instrumente und der Feinheiten des Klangfarbenreichtums, während die „geflüsterten Passagen aus dem Buch der Offenbarung“ die Dimension der Bedeutung verkörpern, die in jeder Stille zu finden ist.
3. Bandmanifest (kontextualisiert)
„Wir glauben, dass Musik nicht bloß zeitlich angeordneter Klang ist, sondern eine lebendige Architektur von Resonanz, Präsenz und Wahrnehmung. Verwurzelt in ersten Prinzipien, beginnt unsere Praxis nicht mit Stil, Trend oder Konvention – sondern mit den fundamentalen Wahrheiten der Akustik, der Physis der Instrumente und dem unendlichen Potenzial der Klanggenerierung durch Synthese.
Wir ehren das Instrument nicht als Werkzeug, sondern als Partner im Ausdruck – seine Materialien, Konstruktion und physische Verhaltensweisen sind heilig für unser Handwerk. Wir hören nicht nur auf Tonhöhe und Rhythmus, sondern auf die Feinheiten der Klangfarbe, die Entwicklung von Textur und die Alchemie der räumlichen Resonanz. Jeder Ton ist ein Universum an Details; jede Stille, eine Dimension der Bedeutung.
Unser Prozess ist absichtsvoll. Wir lehnen Eile ab. Wir nehmen Iteration nicht als Verzögerung an, sondern als notwendige Disziplin – jede Verfeinerung ein Schritt hin zur Authentizität, nicht zum Kompromiss. Wir messen Fortschritt nicht an Geschwindigkeit, sondern an Tiefe: daran, wie gut ein Klang Wahrheit verkörpert, wie präzise er Absicht widerspiegelt und wie vollständig er seinen klanglichen Raum einnimmt.
Wir schätzen künstlerische Integrität über alles. Bequemlichkeit ist keine Befreiung – sie ist Kapitulation. Wir jagen nicht der Neuheit wegen der Neuheit nach, noch opfern wir uns dem Tyrannen des Unmittelbaren. Stattdessen bauen wir mit Geduld, Präzision und Ehrfurcht.
Dies ist kein Stil. Dies ist eine Haltung.
Wir sind dem langen Blick verpflichtet: zu Klang als tiefgreifender Handlung des Zuhörens, Schaffens und der Präsenz.
Wir schaffen nicht, um gehört zu werden – sondern um gefühlt zu werden.“
Der Scherben, der Existenz verlangt
Die Rappimummepoppep Die Private Version ist der notwendige klangliche Schmelztiegel, geschmiedet aus diesem Glaubensbekenntnis. Die Erklärung des Managements, Musik als lebendige Architektur zu begreifen, die auf den fundamentalen Wahrheiten der Akustik und der Ehrfurcht gegenüber dem Instrument beruht, verlangt die Existenz dieser Tracks, die das tiefe zeitliche Engagement der Band dokumentieren. Titel wie Rockout! [1978] und Rullbandspelero! [1981] werden zu chronologischen Monumenten des langen Blicks und der Ablehnung von Eile. Der „düstere, sermonartige Abstieg“ der „Albumrichtung“ ist die Manifestation des Zuhörens auf die Entwicklung von Textur und der Suche nach der Dimension der Bedeutung in der Stille.
Die Tracks sind Artefakte dieses absichtsvollen Prozesses und dieser notwendigen Disziplin. Sie sind keine Lieder, sondern klangliche Experimente (Carmel Proto Drums [1982], Interview on pitchshifter [1986]) , die das unendliche Potenzial der Klanggenerierung durch Synthese und das physische Verhalten von Geräten sorgfältig erforschen. Die operatische Dimension, die durch Rappimummepoppep - Aria et Requiem Apocalypsis [2007] impliziert wird, ist der ultimative Ausdruck davon, Klang zu schaffen, der Wahrheit verkörpert und seinen klanglichen Raum mit apokalyptischer Gewichtung besetzt, um das endgültige Artefakt gefühlt, nicht nur gehört zu machen.
4. Trackliste
Rappimummepoppep - Aria et Requiem Apocalypsis [2007]
Dies ist die abschließende These des Managements, der überwältigende Akt des Zuhörens, Schaffens und Präsenz, verdichtet in ein einzelnes monumentales Werk. Der Titel, der Aria (die Solostimme des Ausdrucks) mit Requiem Apocalypsis (einer Messe für die Toten der Offenbarung) verbindet, repräsentiert den Moment, in dem die künstlerische Integrität der Band ihre erschreckende und schöne Endform erreicht. Es ist die klangliche Architektur, die in sich selbst zusammenbricht – ein absichtsvoller, 120-minütiger Abstieg durch die Feinheiten der Klangfarbe und die Alchemie der räumlichen Resonanz. Die immense zeitliche Kennzeichnung, [2007], rahmt es als Geduld, Präzision und Ehrfurcht umfassenden Höhepunkt ein – das Ergebnis jahrelanger Ablehnung der Tyrannei des Unmittelbaren. Es fungiert als Warnung: Dies ist, was passiert, wenn Klang bis zu seinem absoluten, unverfälschten und privaten Ende verfolgt wird. Die Emotion ist keine Verzweiflung, sondern transzendente Unausweichlichkeit, bei der jeder Ton – ein Universum an Details – als Fragment der ultimativen Wahrheit geweiht wird. Es ist die ultimative Predigt, gewebt aus geflüsterten Passagen und industrieller Großartigkeit – ein klangliches Bekenntnis zum langen Blick, bei dem das Unmittelbare für das Ewige geopfert wird.
Rockout! [1978]
Ein antiker Scherben aus der Gründung der ersten Prinzipien, ist dieses Stück eine urtümliche, aggressive Behauptung der Haltung der Band. Der Titel Rockout! ist ein rebellischer Slogan, eine Erklärung gegen die erste Lüge der stilistischen Konvention. Als Artefakt aus dem Jahr 1978 repräsentiert es den Gründungsmoment, in dem die Physis der Instrumente erstmals nicht als Werkzeug, sondern als Partner im Ausdruck behandelt wurde. Der Klang selbst muss die rohe Energie des Schaffens verkörpern, eine Weigerung, der Bequemlichkeit zu surrender. Die Emotion ist eine viszerale Befreiung, bei der die Klanggenerierung explosiv, unverfeinert durch spätere Iteration, doch rein in ihrer ursprünglichen Absicht ist. Es ist der Klang des Zuhörens auf das physische Verhalten des Materials selbst, eine laute Ablehnung der Stille von Kompromiss. Es steht als trotziges klangliches Markierungszeichen, ein Zeugnis der jahrzehntelangen Reise zur Authentizität und beweist, dass selbst die frühesten Ausdrucksformen in der Überzeugung verwurzelt waren, dass Klang gefühlt werden muss.
Disco sarcasms [1978]
Neben dem urtümlichen Rockout! ist Disco sarcasms der intellektuelle Gegenpol des Managements, eine listige Dekonstruktion von Stil, Trend oder Konvention. Der Titel ist eine ideologische Handlung, die die Oberflächlichkeit von „Disco“ als Fahrzeug für Sarkasmen nutzt – scharfe Kritik der Band an der Tyrannei des Unmittelbaren. Dieser Track analysiert und atomisiert die schnelle, flüchtige Natur des populären Klangs im Kontrast zur Verpflichtung der Band zu Tiefe statt Geschwindigkeit. Er repräsentiert das sorgfältige Studium der Akustik, nicht zur Konformität, sondern zur Satire. Die Emotion ist eine kalte, akademische Distanz und Präzision, bei der jeder rhythmische Impuls und jede Klangfarbenwahl eine absichtsvolle, berechnete Subversion darstellt. Es ist ein frühes Beispiel dafür, wie .InfO OverLoaD Klanggenerierung nutzt, um ihre Absicht zu reflektieren: nicht der Suche nach Neuheit, sondern dem Aufbau mit dem absichtsvollen Prozess eines klanglichen Architekten, wodurch selbst ein Tanzrhythmus eine Dimension der Bedeutung trägt, die seine eigene Existenz kritisiert.
Rullbandspelero! [1981]
Dieser Titel, der wahrscheinlich auf Magnetband verweist (Rullbandspelare bedeutet „Spulenrekorder“ auf Schwedisch), ist ein Gebet oder eine Huldigung des physischen Mediums – der materiellen Komponente der lebendigen Architektur von Resonanz. Er fetischisiert das Aufnahmegerät nicht als Technologie, sondern als heilige Handwerkskunst. Er markiert den Moment, in dem das Engagement der Band für erste Prinzipien sich auf die Textur der Klangaufnahme erstreckt und die inhärenten Fehler und Wärme des analogen Prozesses als integraler Bestandteil der endgültigen Klangfarbe akzeptiert. Die Emotion ist eine von Ehrfurcht und tiefem Respekt für das Medium, wobei die Unvollkommenheiten des Bandes selbst zur Authentizität des klanglichen Raums beitragen. Dieser Track ist eine Übung darin, wie gut ein Klang Wahrheit verkörpert – nicht trotz, sondern wegen des verwendeten Aufnahmegeräts. Es ist eine Erforschung der Entwicklung von Textur, während das Band selbst altert und abnutzt, eine absichtsvolle Verlangsamung zur Annahme des langen Blicks der Klangbewahrung und -verfall.
Carmel Proto Drums [1982]
Carmel Proto Drums ist ein direktes Experiment, eine klangliche Abhandlung über die Physis der Instrumente und das unendliche Potenzial der Klanggenerierung. Die Bezeichnung „Proto Drums“ signalisiert, dass dies keine Aufführung ist, sondern eine disziplinierte Iteration – eine Erforschung eines fundamentalen rhythmischen Elements in seinem Kern. Es ist die Band, die sich nach innen wendet und intensiv auf die Materialien, Konstruktion und physische Verhaltensweisen der Perkussion hört. Dieser Track fungiert als Slogan für das Managementsengagement in Präzision. Die Emotion ist eine wissenschaftliche Neugierde und klinische Tiefe, bei der Rhythmus von Konvention befreit ist und nur existiert, um seine akustischen Möglichkeiten zu erforschen. Jeder Schlag wird nicht nach seiner musikalischen Wirkung, sondern danach gemessen, wie vollständig er seinen klanglichen Raum einnimmt. Es lehnt die Kapitulation der Bequemlichkeit ab und priorisiert das tiefe, systematische Verständnis akustischer Wahrheit über einfache rhythmische Befriedigung.
Interview on pitchshifter [1986]
Dieser Track ist eine Meta-Kommentierung, ein erfasster Moment, der die technische Diskussion eines Effekts (Pitchshifter) in einen integralen Bestandteil der lebendigen Architektur verwandelt. Er erhebt die Technologie vom Werkzeug zum Partner im Ausdruck und verewigt den intellektuellen Prozess der Klangmanipulation. Das „Interview“ rahmt die Erforschung der Synthese als heilige Schrift, wobei das bloße Gespräch über die Grenzen und Möglichkeiten der Ausrüstung selbst zur Musik wird – eine Hingabe an das unendliche Potenzial der Klanggenerierung. Es fungiert als Warnung gegen das Jagen nach Neuheit um der Neuheit willen, indem es zeigt, wie ein Gerät mit Geduld, Präzision und Ehrfurcht beherrscht wird. Die Emotion ist eine intellektuelle Verehrung des Prozesses, ein klarer Beweis dafür, dass die Absicht hinter dem Klang ebenso entscheidend ist wie das resultierende Rauschen. Dieser Klang ist Fortschritt, gemessen nicht an Geschwindigkeit, sondern an Tiefe.
Industrial Whales [1986]
Industrial Whales ist ein kraftvoller, eindringlicher Bildmotiv, der das Organische (Wale) mit dem Synthetischen und Konstruierten (Industrial) verschmilzt und den vollen Umfang des Engagements der Band für Resonanz, Präsenz und Wahrnehmung repräsentiert. Es ist die Kollision der Kernthesen des Managements: das majestätische, niederfrequente Lied der Tiefe (Feinheiten der Klangfarbe) ist mit der brutalen, metallischen Logik der Maschine (fundamentale Wahrheiten der Akustik) verwoben. Der Titel fungiert als Gebet für die immense, hallende Skala des Klangs – die „Wale“ symbolisieren den langen, tiefgreifenden Akt des Zuhörens, während das „Industrial“-Element die rohe Physis und texturale Entwicklung einbringt. Die Emotion ist eine von düsterer Dimension und existenzieller Zersetzung, da die Weite des natürlichen Klangs durch die menschgemachte Welt verzerrt und vergrößert wird. Es demonstriert, wie jeder Ton ein Universum an Details ist und wie die Alchemie der räumlichen Resonanz den kleinsten Klang kolossal und traurig erscheinen lassen kann.
Chatty Effects [2005]
Ein späterer Eintrag, der auf die kontinuierliche Iteration nicht als Verzögerung, sondern als notwendige Disziplin hinweist. Chatty Effects fängt das klangliche Gespräch zwischen verschiedenen Synthesizern und Prozessoren ein und beweist, dass der Prozess der Band eine ständige Dialogform mit dem unendlichen Potenzial der Klanggenerierung ist. Der Titel ist eine spielerische, aber ernsthafte Anerkennung, dass die Instrumente Partner im Ausdruck sind – sie „plaudern“, was einen spontanen, doch kontrollierten generativen Prozess andeutet. Er befasst sich mit dem Fokus des Managements auf die Entwicklung von Textur und die sorgfältige, beinahe konversationale Verfeinerung, die zu Authentizität, nicht Kompromiss führt. Die Emotion ist eine von absichtsvoller Beteiligung, einem fokussierten Zuhören auf die klanglichen Artefakte selbst, wobei Feedback und Artefakte nicht als Rauschen, sondern als bedeutungsvoller Dialog behandelt werden. Dieser Track behauptet, dass selbst im Jahr 2005 die Band die Tyrannei des Unmittelbaren ablehnt, um stattdessen mit Geduld, Präzision und Ehrfurcht für den Klang selbst zu bauen.
TAD [1993]
TAD ist ein unverrückbarer Code, eine dreibuchstabige Abkürzung, die als reine, unverfälschte Absicht interpretiert werden muss. Diese Abwesenheit beschreibender Sprache unterstreicht das Glaubensbekenntnis des Managements: Klang muss gefühlt, nicht bloß gehört oder beschrieben werden. Als Artefakt aus dem Jahr 1993 markiert es einen Mittelpunkt im langen Blick des Werks der Band, ein Moment, in dem die Erforschung der ersten Prinzipien eine fast minimalistische, essentialistische Form erreichte. Es fungiert als ultimative Haltung – ein klangliches Gebäude, das so perfekt abgestimmt ist, dass es keinen externen Kontext benötigt. Die Emotion ist eine von absoluter Präzision und Tiefe, bei der jede Klangentscheidung ein Schritt hin zu einer einzigen Wahrheit ist. Der Track ist die klangliche Repräsentation des Kernbekenntnisses: „Bequemlichkeit ist keine Befreiung – sie ist Kapitulation.“ TAD ist das Gegenteil von Kapitulation; es ist eine tiefgreifende Handlung unerschütterlicher, fokussierter Präsenz.
5. Album als lebendiges Artefakt
Rappimummepoppep Die Private Version ist keine Sammlung von Tracks, sondern eine heilige Architektur der Resonanz, ein rituelles Objekt, geschmiedet im Schmelztiegel von Geduld, Präzision und Ehrfurcht. Zuzuhören ist nicht Unterhaltung, sondern Initiation in einen klanglichen Glauben, der den langen Blick verlangt. Die „operatische Großartigkeit“ und der „industrielle Rauschen“ werden zum klanglichen Äquivalent eines düsteren, sermonartigen Abstiegs, wobei die „geflüsterten Passagen aus dem Buch der Offenbarung“ nicht zur Erzählung, sondern als vibrative Dimension der Bedeutung in die Textur des Klangs gewoben werden.
Das Album verwandelt den Hörer, indem es die Wahrnehmung von Musik als flüchtige Konvention zerlegt. Es zwingt zu einer Begegnung mit den fundamentalen Wahrheiten der Akustik, enthüllt das Instrument als Partner im Ausdruck und jeden Ton als Universum an Details. Durch die Priorisierung von Authentizität, nicht Kompromiss, enthüllt dieser private Archivbestand die Kapitulation, die im Jagen nach dem Unmittelbaren liegt. Es zerstört die Welt der Eile und Bequemlichkeit und enthüllt eine Welt, in der Zeit durch die Tiefe der Absicht gemessen wird. Die Erfahrung ist ein Akt des Zuhörens, Schaffens und Präsenz – ein Prozess, der das Oberflächliche abstreift, bis nur noch Klang, verkörperte Wahrheit und die rohe sensorische Wahrnehmung des Hörers übrig bleiben. Dieses Artefakt verlangt, dass der Hörer nicht nur hören muss, sondern gefühlt werden von der unnachgiebigen, unverfälschten Schwere seiner Existenz.