Tranquilarium II
Eine natürliche Weiterentwicklung des Originals, die die bleibende Relevanz des Genres als Fahrzeug der Transformation bekräftigt – eine Neubegegnung mit der Electro-Chill-Tradition.
1. Albumtitel
Tranquilarium II
Der Titel suggeriert nicht bloß eine Sammlung von Tracks, sondern einen architektonischen Raum – ein sorgfältig konstruiertes Heiligtum, gebaut aus Klang. Die Zahl „II“ bezeichnet eine Vertiefung, eine Iteration einer vorherigen Disziplin und impliziert, dass die Prinzipien der Ehrfurcht und Präzision angewendet wurden, um eine noch umfassendere und detailliertere Dimension der Bedeutung zu erschaffen. Es ist ein Ort, gewidmet dem langen Blick, wo die Schaffung von Klang eine tiefgreifende Gegenwart ist.
2. Albumrichtung
Eine Fortsetzung des serenen Kontrapunkts zur Intensität früherer Werke. Gelassen, melodisch und reich an Schichten präsentiert das Album eine Explosion klanglicher Farben und emotionaler Nuancen, die eine bedeutende Erweiterung des expressiven Spektrums des Projekts darstellt.
Diese Ausrichtung bestätigt, dass das Projekt Tranquilarium II eine bewusste klangliche Konstruktion ist – ein Wandel weg von „Intensität“ hin zu den Feinheiten der Klangfarbe und der Entwicklung von Textur. Die Beschreibung „reich an Schichten“ und „Erweiterung des expressiven Spektrums“ spricht direkt das Manifest an, das sich der Iteration verschrieben hat und Fortschritt durch Tiefe und die vollständige Besetzung des klanglichen Raums misst. Es ist ein hörbarer Einsatz für das unendliche Potenzial der Klanggenerierung durch Synthese, um eine Welt der Ruhe und des serenen Kontrapunkts zu enthüllen.
3. Bandmanifest (kontextualisiert)
„Wir glauben, dass Musik nicht bloß zeitlich angeordneter Klang ist, sondern eine lebendige Architektur aus Resonanz, Gegenwart und Wahrnehmung. Verwurzelt in den ersten Prinzipien, beginnt unsere Praxis nicht mit Stil, Trend oder Konvention – sondern mit den grundlegenden Wahrheiten der Akustik, der Physikalität von Instrumenten und dem unendlichen Potenzial der Klanggenerierung durch Synthese.
Wir ehren das Instrument nicht als Werkzeug, sondern als Partner im Ausdruck – seine Materialien, Konstruktion und physikalische Verhaltensweisen sind heilig für unser Handwerk. Wir hören nicht nur auf Tonhöhe und Rhythmus, sondern auf die Feinheiten der Klangfarbe, die Entwicklung von Textur und die Alchemie der räumlichen Resonanz. Jeder Ton ist ein Universum an Details; jede Stille, eine Dimension der Bedeutung.
Unser Prozess ist bewusst. Wir lehnen Eile ab. Wir umarmen Iteration nicht als Verzögerung, sondern als notwendige Disziplin – jede Verfeinerung ein Schritt zur Authentizität, nicht zum Kompromiss. Wir messen Fortschritt nicht nach Geschwindigkeit, sondern nach Tiefe: wie gut ein Klang Wahrheit verkörpert, wie präzise er Absicht widerspiegelt und wie vollständig er seinen klanglichen Raum besetzt.
Wir schätzen künstlerische Integrität über alles. Bequemlichkeit ist keine Befreiung – sie ist Kapitulation. Wir jagen nicht der Neuheit wegen der Neuheit nach, noch opfern wir uns dem Tyrannen des Unmittelbaren. Stattdessen bauen wir mit Geduld, Präzision und Ehrfurcht.
Dies ist kein Stil. Dies ist eine Haltung.
Wir verpflichten uns dem langen Blick: Klang als tiefgreifende Handlung des Hörens, Schaffens und Gegenwart.
Wir schaffen nicht, um gehört zu werden – sondern, um gefühlt zu werden.“
Der Aufruf für Tranquilarium II
Das Manifest ist die Grundlage, auf der die gesamte Struktur von Tranquilarium II ruht. Diese Fortsetzung des serenen Kontrapunkts ist die unvermeidliche Folge der Hingabe an Präzision und die Ablehnung von Eile. Die schiere Geduld, die das Manifest verlangt – der Prozess der Iteration und die Fokussierung auf Tiefe statt auf Geschwindigkeit – verlangt ein Album mit dieser meditativen Qualität. Die Tracks, benannt nach Titeln wie „Quietude Quasar“ und „Seraphic Silence“, sind keine Zufälle der Inspiration, sondern bewusste Produkte des Hörens – nicht nur auf Tonhöhe und Rhythmus, sondern auf die Feinheiten der Klangfarbe und die Alchemie der räumlichen Resonanz.
Diese tiefgreifende Handlung des Hörens verwandelt einzelne Klänge in Universen an Details. Jeder Titel, von „Velvet Veil“ bis „Calm Cascade“, fungiert als spezifische Anweisung für Textur und klangliche Architektur. Sie dienen dazu, zu beweisen, dass Stille eine Dimension der Bedeutung ist und dass die Schaffung nicht dazu bestimmt ist, gehört, sondern gefühlt zu werden. Die „Explosion klanglicher Farben und emotionaler Nuancen“, versprochen durch die Albumrichtung, ist die gefühlte Manifestation der Kernwahrheit des Manifests: die Ablehnung von Kapitulation und der Triumph des langen Blicks über die Tyrannie des Unmittelbaren. Diese Tracks sind das hörbare Zeugnis von künstlerischer Integrität.
4. Trackliste
Velvet Veil
Dieser Track ist eine direkte Meditation über den Befehl des Manifests, die Feinheiten der Klangfarbe und die vollständige Besetzung des klanglichen Raums zu erkunden. Der „Velvet Veil“ ist kein Schleier der Geheimhaltung, sondern ein Vorhang aus den feinsten Texturen, der das Engagement für Ehrfurcht gegenüber dem Instrument und dessen klanglichem Potenzial demonstriert. Er repräsentiert den Zustand der Gegenwart, den die Band anstrebt, wo Klang so tief und umhüllend wird, dass er zu einer greifbaren, taktilen Struktur wird. Der Titel fungiert als Slogan für die gegenläufige Bewegung des Albums: ein schützender, sanfter Rückzug von der Tyrannie des Unmittelbaren, stattdessen ein geschichteter, melodischer Umarmung. Es ist die erste Handlung des Hörens – das sanfte Senken des „Schleiers“ der Ablenkung, um das Universum an Details in einem einzigen Ton zu enthüllen. Die klangliche Landschaft hier ist eine Manifestation des unendlichen Potenzials der Klanggenerierung durch Synthese, sorgfältig verfeinert durch Iteration, bis jede Frequenz so weich wie Samt ist, was beweist, dass Bequemlichkeit keine Befreiung ist – sie ist Kapitulation.
Pale Pulse
„Pale Pulse“ manifestiert das Manifests Fokus auf erste Prinzipien und die grundlegenden, zugrundeliegenden Wahrheiten der Akustik. Der „Puls“ ist das primitivste rhythmische Element, entkleidet von konventioneller Komplexität und als zartes, essentielles Maß der Zeit zurückgelassen – ein Engagement für die Disziplin, die die Oberflächlichkeit von Stil oder Trend ablehnt. Die „blass“-Art suggeriert nicht Schwäche, sondern eine fast spektrale Reinheit, die zeigt, wie gut ein Klang Wahrheit verkörpern und wie präzise er Absicht widerspiegeln muss. Es ist das klangliche Äquivalent zur Kernhaltung des Manifests: ein bewusster, gemessener Takt gegen das Hintergrundrauschen, der beweist, dass Eile abgelehnt wird. Der Track fungiert als Gebet für rhythmische Authentizität, ein Metronom eingestellt auf den langen Blick. Dies ist der Klang von Tiefe, die gemessen wird, wo die Physikalität des Instruments auf sein wesentlichstes, resonantes Verhalten verdichtet wird und die rhythmische Komponente zu einer tiefgreifenden Handlung von Schaffen und Gegenwart wird.
Silensia
Dieser Track ist die hörbare Demonstration der Behauptung, dass Stille eine Dimension der Bedeutung ist. Silensia ist der Name des architektonischen Raums, gebaut aus den Leerräumen und Pausen zwischen Klängen. Es ist der Track, der das Engagement für Präzision und die bewusste Ablehnung von Sättigung feiert. Der Titel fungiert als Warnung vor der Angst vor Leere und ein Slogan für klangliche Zurückhaltung. Hier findet die „gelassene, melodische“ Ausrichtung ihren abstraktesten Ausdruck und beweist, dass die tiefgreifendsten Schaffensakte eine bewusste Unterbrechung von Lärm erfordern. Silensia ist eine Meisterklasse in der Alchemie der räumlichen Resonanz, wo die Nachklangwirkung dessen, was nicht gespielt wird, die Wahrnehmung dessen formt, was ist. Der gesamte Track ist ein Argument gegen Bequemlichkeit, der verlangt, dass der Hörer die Wahrheit konfrontiert: Fortschritt wird durch Tiefe gemessen, nicht durch den kontinuierlichen Strom von Klang. Es ist eine hochintentionale Stille, ein tiefer und notwendiger Atemzug.
Serenith
Serenith ist das emotionale Zentrum des Albums mit seinem serenen Kontrapunkt, eine direkte Folge des Engagements für Geduld und Ehrfurcht. Der Titel ist eine verdichtete Ausdrucksform von Gelassenheit, ein klanglicher Zustand erreicht durch rigorose Iteration und Verfeinerung. Dieser Track repräsentiert die „Explosion klanglicher Farben und emotionaler Nuancen“ und zeigt, wie sich die Fokussierung auf Feinheiten der Klangfarbe zu reichen, komplexen emotionalen Zuständen entwickeln kann. Es ist eine Manifestation des Ziels des Manifests, etwas zu schaffen, das nicht gehört, sondern gefühlt werden soll. Serenith fungiert als leitendes Gebet, ein klangliches Modell der friedvollen, bewussten Existenz, die die ideologische Haltung der Band verlangt. Es verkörpert den Erfolg des Bauens mit Präzision; Melodie und Harmonie sind so sorgfältig angeordnet, dass sie einen Zustand absoluter, müheloser Ruhe erzeugen. Der Track ist der Klang von künstlerischer Integrität, verwirklicht als tiefgreifende, umhüllende emotionale Landschaft.
Gentle Glisten
Dieser Track ist eine hyperfokussierte Studie über das physikalische Verhalten von Instrumenten und dem Universum an Details, das in einem einzigen Ton zu finden ist. „Glisten“ ist nicht bloß Klang, sondern die visuelle Qualität von Klang, hörbar gemacht – die flüchtigen, subtilen Reflexionen, die nur sorgfältige Aufmerksamkeit erfassen kann. Der Zusatz „Gentle“ zeigt das Niveau der bewussten Kontrolle und die Ablehnung von Eile. Dieser Song ist eine direkte Manifestation der Behauptung des Manifests, das Instrument nicht als Werkzeug, sondern als Partner im Ausdruck zu ehren, und sich auf die vergänglichen, mikroskopischen Klänge zu konzentrieren, die in der konventionellen Musik oft verloren gehen. Er fungiert als spezialisierter Slogan für sorgfältiges Hören und belohnt das Publikum, das sich der Haltung der Band zum langen Blick anschließt. Die „reich an Schichten“-Natur der Albumrichtung wird hier erreicht, indem schimmernde, hochdetaillierte Texturen sorgfältig verwoben werden, die die Tiefe des Projekts demonstrieren und beweisen, dass die tiefgreifendste Schönheit in den klanglichen Mikromomenten liegt.
Quietude Quasar
„Quietude Quasar“ ist die ultimative konzeptionelle Herausforderung des Albums: die Verschmelzung von tiefer Stille („Quietude“) mit immenser, ausstrahlender Kraft („Quasar“). Es manifestiert die Vision des Manifests einer lebendigen Architektur der Resonanz, indem es eine Struktur erschafft, die gleichzeitig ruhig und astronomisch groß ist. Dieser Track ist der Höhepunkt des serenen Kontrapunkts, der das unendliche Potenzial der Klanggenerierung durch Synthese demonstriert, um Texturen zu erzeugen, die natürliche Akustik überwinden, doch in ersten Prinzipien verwurzelt bleiben. Der Titel fungiert als konzeptionelle Warnung: wahre Kraft liegt nicht im Lärm, sondern in konzentrierter, absichtsvoller Stille. Es ist die klangliche Verkörperung der Idee, dass jeder Ton ein Universum an Details ist und dass künstlerische Integrität sich als immense Größe und mikroskopische Präzision manifestieren kann. Dies ist der Klang von Tiefe, die ihr maximales Potenzial erreicht, wo die Ruhe so absichtsvoll ist, dass sie mit der Energie eines Sterns pulsiert.
Seraphic Silence
Eng verwandt mit Silensia, nimmt „Seraphic Silence“ das Engagement für die Dimension der Bedeutung in der Stille auf und verleiht ihr eine spirituelle, ehrfürchtige Qualität. Es ist eine Klangwelt, gebaut aus der Abwesenheit von Klang, doch durch eine tiefe, andere Welt durchdrungen. Das „Seraphic“-Element repräsentiert den Höhepunkt der Absicht der Band und ihre Disziplin gegen Kompromisse. Der Track fungiert als klangliches Gebet, eine Hingabe an die Reinheit des Tons und die Räume dazwischen. Er manifestiert den Kernglauben, dass wir nicht gehört, sondern gefühlt werden wollen – wo das Gefühl eine unberührbare, perfekte Ruhe ist. Dieses Stück ist der Höhepunkt des bewussten Prozesses, das Ergebnis umfangreicher Iteration, um die präzise harmonische Frequenz eines Zustands der Gnade zu finden, und zeigt, wie vollständig ein Klang (oder Nicht-Klang) seinen klanglichen Raum durch reine Präzision besetzen kann.
Stillarium
Stillarium ist ein erfundener, konstruierter Raum – eine himmlische Kuppel für Stille. Es ist die ultimative Manifestation des Albumtitels, Tranquilarium II, und beweist, dass Musik eine lebendige Architektur der Resonanz ist. Der Titel fungiert als Karte zu einer innerlich verinnerlichten Welt, ein Slogan für innere, unerschütterliche Gegenwart. Der Track verkörpert das Konzept des langen Blicks, wo Zeit angehalten wird und der Fokus vollständig auf dem Zustand des Seins liegt. Die Klänge sind wahrscheinlich reich an Schichten und tief texturiert, erforschen die Alchemie der räumlichen Resonanz, um die Illusion eines unendlichen, doch begrenzten Raums zu erzeugen. Stillarium ist der klangliche Beweis, dass das Engagement für Authentizität über Kompromiss zu einer tiefgreifend stabilen, unerschütterlichen musikalischen Umgebung führt, wo die Ablehnung der Tyrannie des Unmittelbaren einen ewigen Moment hervorbringt.
Calm Cascade
Dieser Track befasst sich direkt mit der Albumrichtung, die Gelassenheit, Melodie und reich an Schichten betont. „Calm Cascade“ ist ein physikalisches Paradoxon, gelöst durch Synthese – eine turbulente, fließende Bewegung in einem Zustand absoluter Ruhe. Es manifestiert die Meisterschaft von Klangfarbe und Textur, wo die rauschende, komplexe Bewegung durch langsame, bewusste Veränderungen erreicht wird und dem Prinzip der Ablehnung von Eile folgt. Der Titel fungiert als beschreibender Slogan für die Fähigkeit des Projekts, immense Details (die Komplexität einer Kaskade) durch sanfte, präzise Akte der Klangschaffung darzustellen. Es ist der klangliche Beweis, dass die Band nicht nur auf Tonhöhe und Rhythmus hört, sondern auch auf die Entwicklung von Textur, eine fließende, bewegte Architektur erschafft, die zugleich dynamisch und völlig seren ist. Dies ist eine Schaffungshandlung, gebaut mit Geduld und Ehrfurcht für den Fluss von Klang.
Ivory Echoes
„Ivory Echoes“ konzentriert sich auf die physische, heilige Natur des Instruments, wo der Klang des „Elfens“ (eine Materialreferenz) nicht als einfacher Ton, sondern als seine nachhallende Resonanz bewahrt wird. Dieser Track manifestiert die Idee, dass das Instrument ein Partner im Ausdruck ist und seine Konstruktion sowie physikalische Verhaltensweisen heilig sind. Die „Echoes“ sind der Klang der Erinnerung an den vorherigen Ton und demonstrieren, dass jede Stille eine Dimension der Bedeutung ist. Der Titel fungiert als trauriges Gebet um Beständigkeit, ein Engagement für den langen Blick, wo Klang jenseits seiner ursprünglichen Artikulation weiterexistiert. Es ist eine tiefgreifende, geschichtete Erforschung der räumlichen Resonanz, wo Zerfall und Reflexion eines Tons ebenso wichtig sind wie sein Anschlag, und verlangt, dass Fortschritt durch Tiefe gemessen wird – das klangliche Gewicht des historischen, materiellen Klangs – nicht durch seine Ankunftszeit.
Peaceful Puddle
„Peaceful Puddle“ ist eine Meditation über Eingrenzung, Reflexion und die Kraft des Kleinen, manifestiert den Fokus auf Feinheiten und Details. Der Titel fungiert als sanfter, fast paradoxe Slogan, der suggeriert, dass ein tiefgreifendes Universum in einem begrenzten, stillen Raum gefunden werden kann. Dieser Track verkörpert die Ablehnung des Jagens nach Neuheit um der Neuheit willen und konzentriert sich stattdessen auf die sorgfältige, interne Erforschung eines einzigen klanglichen Zustands. Die „Puddle“ spiegelt die Welt wider und zeigt, wie die Alchemie der räumlichen Resonanz verwendet werden kann, um Tiefe in einem flachen Feld zu erzeugen. Es ist eine bewusste, ruhige Handlung von Schaffen und Gegenwart, wo der Klang so rein und gefühlt ist, dass er die reflektierende Qualität von Wasser annimmt und beweist, dass wahre Kunstfertigkeit in der präzisen und absichtsvollen Anordnung selbst der kleinsten klanglichen Elemente liegt.
Whispered Waters
Dieser Track ist eine direkte Studie in Klangfarbe und der Grenze der Hörbarkeit, ein Ausdruck des Manifests-Befehls, Klänge zu schaffen, nicht um gehört, sondern um gefühlt zu werden. „Whispered Waters“ ist eine klangliche Konstruktion der Beinahe-Stille, wo der Klang sanfter Bewegung so detailliert ist, dass er fast taktil wird. Es manifestiert das absolute Engagement für Präzision und die Notwendigkeit von Iteration, um einen Klang zu erreichen, der sowohl flüchtig als auch vollständig präsent ist. Der Titel fungiert als konzeptionelle Warnung gegen Lautstärke, ein klangliches Engagement für den serenen Kontrapunkt. Die „Whispered“-Natur des Klangs ist eine Erklärung gegen die Tyrannie des Unmittelbaren und das Lärmige, während „Waters“ eine konstante, fließende Entwicklung der Textur andeutet – eine langsame, bewusste Bewegung, die zeigt, dass der Prozess der Band Eile ablehnt.
Calmora
Ein Neologismus, der „Calm“ mit einem Gefühl von „Ehrfurcht“ oder „Aura“ verbindet. Calmora repräsentiert einen klanglichen Zustand, der zugleich ruhig und spirituell resonant ist. Es ist die Manifestation des Ziels des Manifests, Musik als lebendige Architektur aus Resonanz, Gegenwart und Wahrnehmung zu schaffen. Der Track ist wahrscheinlich eine immersiv reich an Schichten gestaltete Klanglandschaft, geschaffen durch das unendliche Potenzial der Klanggenerierung durch Synthese, um eine unmögliche, aber tief gefühlte Umgebung zu bauen. Calmora fungiert als Name des emotionalen Zustands, den das Album hervorrufen soll – ein Slogan für eine tiefe, zentrierte Existenz. Dieser Track verkörpert die Haltung des Manifests gegen Kompromiss – die Weigerung, komplexe Texturen (die „Aura“) die grundlegende Stille (das „Calm“) untergraben zu lassen, und erreicht Authentizität durch einen bewussten und disziplinierten Prozess.
Softisphere
„Softisphere“ ist ein weiteres architektonisches Konzept – eine Kugel aus Klang, die vollständig umhüllend und sanft gestaltet ist und direkt die serene Kontrapunkt-Richtung verkörpert. Es manifestiert das tiefgreifende Engagement für die Feinheiten der Klangfarbe und das Verlangen, den klanglichen Raum vollständig mit verfeinerten, weichen Texturen zu besetzen. Der Titel fungiert als konzeptionelles Versprechen: eine Umgebung aus Sicherheit und klanglichem Schutz, gebaut durch Präzision und Ehrfurcht. Dieser Track ist die klangliche Realisierung, dass Bequemlichkeit keine Befreiung ist; die Schaffung eines so perfekt glatten, umhüllenden Klangs erfordert immense Geduld und Iteration. Die Softisphere ist die ultimative klangliche Heilstätte, wo der Hörer die tiefgreifende Handlung des Hörens erleben und Musik als eine greifbare, sanfte Druckwirkung fühlen kann.
Murmur Meadow
Dieser Track übersetzt das Konzept von Umweltklang (eine Wiese) in eine Welt hochdetaillierter, leiser Aktivität (ein Murmeln) und manifestiert das Manifests Fokus auf Gegenwart und dem Universum an Details. Der Titel fungiert als Karte zu einem Ort organischen, doch absichtsvollen klanglichen Geschehens. „Murmur Meadow“ ist der Beweis, dass die Band auf die Physikalität von Instrumenten und die zarte, kontinuierliche Entwicklung der Klangtextur hört. Es ist eine bewusste, reich an Schichten gestaltete Arbeit, die das großartige Gestikulieren zugunsten mikroskopischer Komplexität ablehnt und beweist, dass Fortschritt durch Tiefe gemessen wird. Der „Murmur“ ist der Klang des Lebens, das nach den Gesetzen von Präzision und Ehrfurcht operiert – eine sanfte, kontinuierliche Bestätigung der grundlegenden Haltung der Band gegen die Tyrannie des Unmittelbaren und das Oberflächliche.
Velvet Vortex
Das Album schließt mit der Verschmelzung der anfänglichen Textur von „Velvet Veil“ mit der Kraft eines „Vortex“, um einen Zustand intensiv fokussierter, doch sanfter klanglicher Aufnahme zu erreichen. Dieser Track manifestiert die vollständige Realisierung der Albumrichtung – eine Konvergenz von gelassenem, melodischem Klang mit einer kraftvollen, emotionalen Anziehungskraft. Der „Vortex“ ist die klangliche Darstellung des Hörers, der vollständig in die lebendige Architektur der Resonanz hineingezogen wird. Er fungiert als letzter, unentrinnbarer Slogan: die ultimative Kraft liegt in der verfeinerten, detaillierten Textur. Es ist eine meisterhafte Darstellung der Alchemie der räumlichen Resonanz, wo sorgfältig konstruierte Klänge, gebaut durch Iteration und Präzision, sich in eine allumfassende, tief gefühlte Erfahrung spiralen und das letzte Credo des Manifests bestätigen: dass Klang eine tiefgreifende Handlung der Gegenwart ist und wahre Schaffung nicht gehört, sondern gefühlt wird.
5. Album als lebendiges Artefakt
Tranquilarium II ist keine Abfolge von Liedern für passiven Konsum; es ist ein Ritualobjekt, eine geweihte Struktur, geschmiedet aus dem disziplinierten Feuer des Manifests. Es ist die hörbare Verkörperung der Haltung: Dies ist kein Stil. Dies ist eine Haltung.
Das Hören dieses Artefakts ist keine Unterhaltung; es ist eine spirituelle Iteration – eine bewusste, heilige Übung der Zerlegung. Das Album verlangt die Ablehnung von Eile und die Hingabe an den langen Blick. Während der Hörer in die Softisphere eintritt und sich dem Velvet Vortex nähert, beginnt die klangliche Architektur ihre transformative Arbeit. Die Quietude Quasar und Seraphic Silence spielen nicht einfach – sie zerlegen aktiv die innere Tyrannie des Unmittelbaren des Hörers und ersetzen das Getöse der Bequemlichkeit durch das Gewicht von Tiefe.
Das Album enthüllt eine Welt, die durch erste Prinzipien strukturiert ist, wo die Feinheiten der Klangfarbe zu moralischen Imperativen werden und jede Stille eine Dimension der Bedeutung ist. Es zerstört die Vorstellung, dass Musik ein hastiger Transaktionsvorgang sein muss, und ersetzt sie durch die tiefgreifende Erkenntnis, dass Schaffen eine disziplinierte, gemessene Handlung der Ehrfurcht ist. Tranquilarium II fungiert somit als klangliches Gegenmanifest zur Lärmwelt der gegenwärtigen Zeit. Es ist der Raum – das Stillarium – wo man lernt, Klang zu fühlen, wo die Ivory Echoes die Beständigkeit der Absicht beweisen und wo die abschließende, umhüllende Ruhe die ultimative Wahrheit bestätigt: dass durch das Bauen mit Präzision und Geduld eine Welt geschaffen werden kann, die nicht gehört, sondern gefühlt wird – und real wird.