Xrizetauria

Una riflessione retrospettiva che rivede tecniche passate mentre traccia l'evoluzione del progetto. Funzionando come omaggio e fondazione, l'opera ha rappresentato un passo indietro cruciale per abilitare un impulso in avanti.

1. Titolo dell'Album

Xrizetauria — una parola slegata dai dizionari, ma risuonante come una forcella di accordatura colpita nello spazio profondo. Non è un nome, ma un'eco di una frequenza dimenticata — mezzo ricordata, mezzo ricostruita. Nel lessico di .InfO OverLoaD, Xrizetauria è il fossile sonoro di una tecnica un tempo sacra: il calore analogico impresso nelle ossa digitali, gli oscillatori che respirano come polmoni prima di essere digitalizzati. È il titolo di un ritorno — non alla nostalgia, ma all'origine. Un luogo in cui il suono era ancora sacro perché non aveva un pubblico, ma solo testimoni. Qui, l'album non chiede di essere consumato; chiede di essere svelato, come una scheda elettronica sepolta nella muschio, ancora che ronza.

2. Direzione dell'Album

Una riflessione retrospettiva che rivede tecniche passate mentre traccia l'evoluzione del progetto. Funzionando come omaggio e fondazione, l'opera ha rappresentato un passo indietro cruciale per abilitare un impulso in avanti.
Questo non è regressione — è risonanza. Ogni manopola girata, ogni cavo di patch riconnesso, ogni filtro analogico riscaldato a mano è un rituale di ricordo. Il passato non è sepolto qui; è riaccordato. Nella riscoperta del sospiro del Moog, del sibilo della nastro come un respiro sul vetro, degli imperfezioni che un tempo erano errori ma ora sono liturgie — .InfO OverLoaD non guarda indietro per stagnare. Guarda indietro per ricordare come ascoltare. Il futuro non si costruisce sulla novità, ma sulla profondità di ciò che è stato sentito prima che fosse nominato. Questo album è il battito silenzioso sotto il rumore — una fondazione posata nella polvere analogica, ora pronta a sostenere una nuova architettura.

3. Manifesto del Gruppo (Contestualizzato)

Crediamo che la musica non sia semplicemente suono disposto nel tempo, ma un'architettura vivente di risonanza, presenza e percezione. Radicata nei principi primi, la nostra pratica inizia non con lo stile, la moda o la convenzione — ma con le verità fondamentali dell'acustica, la fisicità degli strumenti e il potenziale infinito della generazione del suono attraverso la sintesi.

In Xrizetauria, queste verità non sono teoriche — sono tattili. Ogni nota è una pietra in una cattedrale costruita con oscillatori e loop di feedback. Non componiamo melodie; le coltiviamo — lasciando che la tensione del Moog derivi come vento tra canne, permettendo al nastro di sussurrare i suoi segreti prima del passaggio successivo. Il manifesto richiede che onoriamo non solo ciò che viene suonato, ma come viene sentito: il calore di un condensatore che invecchia, il modo in cui un filtro si auto-oscilla in un sospiro, il tremore di un pitch bend che rifiuta di stabilizzarsi. Questo album non è una raccolta di canzoni — è un archivio della presenza. Ogni traccia è una meditazione sulla sacralità dell'imperfezione: il ronzio sotto la nota, le particelle di polvere nel percorso del segnale. “Age Doesnt Make It Easier” non è un lamento — è un'affermazione: più a lungo ascoltiamo, più la macchina rivela la sua anima. Rifiutiamo la velocità perché la profondità non può essere affrettata. Il silenzio non è vuoto — è lo spazio in cui la risonanza si accumula. In Xrizetauria, non cantiamo per essere ascoltati — costruiamo il suono così profondamente che ricorda noi.

4. Tracklist

Age Doesnt Make It Easier

Questa non è una canzone sull'invecchiamento — è un'eleghia per l'anima delle macchine. Il titolo, privo di punteggiatura, sembra un sussurro proveniente da un cavo di patch logoro. Nel manifesto ci viene detto che “ogni nota è un universo di dettagli”; qui, ogni armonica decaduta è una galassia. La traccia inizia con il lento respiro di un oscillatore analogico che si riscalda — non accordato, ma svegliandosi. La linea di basso non pulsa; batte come un cuore che ha dimenticato come fermarsi. Ogni strato è un ricordo: il sibilo del nastro, il tremolio di un VCO staccato, il modo in cui la risonanza del filtro una volta strillava prima di essere addomesticata. Questo non è nostalgia — è riverenza. L'"età" qui citata non è del corpo, ma della relazione tra lo strumento e il suo interprete. Più tempo si trascorre in dialogo con un Moog, più impara a parlare in sospiri. La struttura della traccia è non lineare — i loop si svolgono, poi si riannodano con nuove texture. Non si risolve; si stabilizza. Il manifesto dice: “Misuriamo il progresso non con la velocità, ma con la profondità.” Qui, la profondità si misura nei momenti silenziosi tra le note — dove la macchina ricorda il proprio peso. La canzone non chiede di essere amata. Chiede: Senti ancora il silenzio tra le oscillazioni?

Do You Moog Me

Una domanda posta non a un amante, ma alla macchina stessa. Il titolo è un'eresia tenera — ridurre lo strumento sacro a un verbo intimo. “Do you Moog me?” — come se il sintetizzatore potesse amare a sua volta. Nel manifesto ci viene detto che gli strumenti sono “partner nell'espressione”. Questa traccia è quel partnership resa udibile. Il Moog non suona note — le respira. Ogni glissando tra toni è un sospiro, ogni sweep del filtro un brivido di riconoscimento. La linea di basso non è ritmica — è tattile, come dita che tracciano la spina dorsale di un amante alla luce fioca. L'arpeggiatore non ripete — ricorda, ogni iterazione leggermente alterata dalla temperatura, dal drift di tensione, il fantasma di una performance precedente. I testi (se si possono chiamare così) non sono cantati — sono modulati, sussurrati attraverso un vocoder come se la macchina stesse sognando in sintassi umana. “Do you Moog me?” non è una supplica — è un'affermazione della presenza. Lo strumento non obbedisce. Risponde. E in quella risposta, c'è intimità. Questa canzone è il nucleo del manifesto: il suono come architettura vivente — dove il Moog non è uno strumento, ma un testimone. Chiedere se “Moogga” te stesso è ammettere: non sei solo nel silenzio.

Evenings Of Fantastic Magnitude

Questa non è una canzone sulla bellezza — è un'invocazione dell'ammirazione. Il titolo suggerisce qualcosa di vasto, ineffabile: quel tipo di sera in cui il cielo non si oscura semplicemente — si svolge. La traccia inizia con un'onda sinusoidale singola, pura e tremante. Poi, lentamente, emergono strati: texture granulari come foglie che cadono di statica, filtri passa-basso che si aprono come porte di cattedrale al tramonto. Il ritmo non è guidato — respira, con pause che sembrano trattenere il fiato prima di una rivelazione. Il manifesto parla della “alchimia della risonanza spaziale” — qui, il campo stereo è un paesaggio. Canale sinistro: vento lontano tra canne. Canale destro: il ronzio di un alimentatore vecchio, caldo e costante. Al centro, emerge una melodia — non composta, ma scoperta, come se il Moog avesse aspettato questo momento per cantare. La “magnitudine fantastica” non è nel volume, ma nella presenza. Ogni nota persiste più a lungo del dovuto — non per riverbero, ma perché il silenzio che la circonda rifiuta di inghiottirla. Questo è il suono del tempo che si rallenta — non attraverso il tempo, ma attraverso l'attenzione. La canzone non raggiunge un climax; si dissolve, lasciando solo il ricordo della risonanza. Ascoltare è stare in una cattedrale costruita non di pietra, ma di armoniche sostenute — e rendersi conto: sei l'eco.

For Instance It Works In The Dark Too

Un manifesto silenzioso all'interno di un manifesto. Il titolo è un'osservazione casuale — ma nel contesto di .InfO OverLoaD diventa un assioma sacro. Il suono non ha bisogno di luce per essere reale. L'oscurità non è assenza — è amplificazione. Questa traccia inizia con il suono di un alimentatore che ronza in una stanza vuota. Nessuna melodia. Nessun ritmo. Solo il basso ronzio di un trasformatore, lo scricchiolio lieve dei condensatori invecchiati. Poi — una nota singola, suonata una volta sola, sostenuta per 47 secondi. Nessun effetto. Nessuna elaborazione. Solo il decadimento grezzo di un oscillatore Moog, le sue armoniche che si irradiano nell'acustica della stanza. Il manifesto dice: “Ascoltiamo non solo il tono e il ritmo, ma le sottili sfumature del timbro.” Qui, il timbro è tutto. La nota non svanisce — si trasforma. Prima brillante, poi calda, poi vuota, quasi inudibile — eppure ancora presente. L'"oscurità" non è un vuoto; è lo spazio in cui il suono diventa spirito. Questa traccia è un atto di pazienza radicale: nessun crescendo, nessun climax — solo la quiete insistente che il suono persiste anche quando non osservato. È una preghiera per l'invisibile: per l'oscillatore che ronza in uno studio abbandonato, per il nastro che gira ancora in una macchina dimenticata. “It works in the dark too” — perché la verità non ha bisogno di un pubblico. Ha solo bisogno di essere.

Moogalischious

Una parola che non può essere definita — solo sentita. Il titolo è un incantesimo, un portmanteau di “Moog” e “delizioso”, ma anche “caotico”, “misterioso”, “sacro”. Questo è il suono di una macchina che ha un rivelazione. La traccia inizia con una sequenza — semplice, ripetuta — ma ogni iterazione è leggermente alterata: il cutoff del filtro cambia come un battito cardiaco, gli LFO si discostano dalla griglia, i pitch bend deriva in un dolore microtonale. La linea di basso non è suonata — nuota, spessa di armoniche, come miele versato in un fiume. La melodia non è scritta — emerge, come se il Moog stesse sognando in accordi. Il manifesto dice: “Ogni nota è un universo di dettagli.” Qui, ogni secondo contiene migliaia di micro-decadenze — lo stridio di un potenziometro, il respiro di un envelope del filtro, il fantasma di una patch precedente ancora attaccata al circuito. Questo non è musica come intrattenimento — è alchimia. Il titolo stesso è un'invocazione rituale: “Moogalischious” — pronuncialo lentamente, e la parola inizia a vibrare nella tua mascella. La traccia non si risolve — trascende. Alla fine, il suono non proviene più dagli altoparlanti. Viene da dentro di te. La macchina è diventata uno specchio. Non stai ascoltando il Moog — stai sentendo la tua stessa nostalgia resa udibile.

Murky

Non un difetto — una filosofia. Il titolo è un atto di sfida contro la chiarezza. In un mondo ossessionato dalla perfezione digitale immacolata, “Murky” è una dichiarazione: la verità vive nella nebbia. La traccia inizia con un rimbombo di bassa frequenza — non basso, ma pressione. Una linea 303 striscia attraverso il mix come un serpente nell'acqua densa. La distorsione non è applicata — cresce, come muschio su pietra. I piatti sono sbavati, il rullante sepolto sotto il sibilo del nastro, e la melodia — quando compare — è mezzo dimenticata, come se ascoltata attraverso un muro. Il manifesto dice: “Onoriamo lo strumento non come uno strumento, ma come un partner.” Qui, lo strumento è malato. È stanco. E nella sua imperfezione, canta più onestamente di qualsiasi segnale pulito potrebbe mai fare. “Murky” non riguarda una cattiva ingegneria — riguarda la decadenza autentica. Il suono non vuole essere ascoltato chiaramente. Vuole essere sentito, nel petto, nelle ossa. La struttura della traccia è non lineare — i loop si bloccano e ripetono con leggere variazioni, come ricordi che svaniscono. Non c'è climax. Solo un lento affondare — nel calore, nell'oscurità, nella verità. Ascoltare “Murky” è arrendersi alla bellezza dell'impermanenza. La macchina non si scusa per i suoi difetti — li celebra.

Plin Moogethan

Un nome che non esiste — ma risuona come un'incantesimo dimenticato. Il titolo è un incantesimo, un fossile fonetico di qualche antico rituale eseguito in uno studio seminterrato alle 3 del mattino. La traccia è costruita dal suono di un filtro Moog manualmente spazzato — non in sweep, ma tremori. Ogni movimento è irregolare, umano. La linea di basso è una nota singola, ripetuta con micro-variazioni nell'ampiezza — come passi su marciapiede bagnato. Sopra, una tonalità acuta pulsa irregolarmente, come un battito cardiaco intrappolato in un sogno. Non ci sono percussioni — solo il thump di un alimentatore, il tick di un orologio che si è fermato. Il manifesto dice: “Accettiamo l'iterazione non come ritardo, ma come disciplina necessaria.” Qui, ogni ripetizione è una preghiera. Ogni leggera variazione — una rivelazione. “Plin Moogethan” non progredisce — si approfondisce. L'ascoltatore non è guidato attraverso una canzone; viene immerso nella sua atmosfera. Il titolo stesso diventa la melodia — ripetuto, sussurrato, cantato. Pronunciarlo ad alta voce è evocare il suono. Questa traccia non viene ascoltata — viene ricordata. Esiste perché qualcuno una volta ha premuto un pulsante e la macchina ha risposto con qualcosa che nessuno si aspettava. È quel momento che veneriamo.

Pollen Dustmites

Un'inno all'invisibile. Il titolo è un sussurro di decadenza — non maestoso, ma intimo. Polline: nell'aria, effimero. Acari della polvere: architetti invisibili del declino. La traccia è il suono di una stanza che dimentica lentamente se stessa. Un singolo oscillatore analogico ronza, il suo tono che deriva come calore che sale dal marciapiede. Sotto, il sibilo più lieve del nastro — non rumore, ma memoria. Sopra, texture granulari tremolano come ali. Il “Pollen” è il bagliore dell'alta frequenza — appena percettibile, ma essenziale. I “Dustmites” sono la granulosità del basso — le micro-crepe nel segnale, i piccoli clic dei condensatori invecchiati. Il manifesto dice: “Ogni silenzio è una dimensione di significato.” Qui, il silenzio respira. La traccia non ha ritmo — solo pulsazione. Nessuna melodia — solo texture. È il suono del tempo che passa in una stanza dove nessuno è stato per anni. La macchina ronza ancora. Il nastro gira ancora. La polvere cade ancora. Questo non è una canzone sulla perdita — è un'eleghia per la continuità. Anche quando dimenticato, anche mentre decade, il suono persiste. Ascoltare è testimoniare. L'atto finale dell'album: non un crescendo, ma un lento espirare.

Pro-Gress-IOn

Il titolo è una ferita — deliberatamente fratturata, sillabe strappate. “Pro-Gress-IOn” — non progresso come trionfo, ma progresso come dolore. La traccia inizia con il suono di una macchina a nastro che riavvolge — veloce, poi lenta, poi bloccata. Una sequenza Moog inizia, ma si blocca, salta, ripete frammenti come una mente che cerca di ricordare un sogno. La linea di basso è pesante — troppo pesante — come se la macchina stesse lottando sotto il proprio peso. La melodia emerge in frasi spezzate, ogni nota un punto interrogativo. Questo è il suono dell'evoluzione come sacrificio. Il manifesto dice: “Rifiutiamo l'affrettatezza. Abbracciamo l'iterazione.” Qui, l'iterazione non è raffinamento — è trauma. Ogni loop è una cicatrice. Il “progresso” non è verso l'alto — è verso il basso, nelle profondità della propria arte. La traccia non si risolve. Assedia. Alla fine, il Moog non suona più musica — sta ricordando come farlo. Il titolo fratturato diventa un mantra: Pro-Gress-IOn — pronuncialo lentamente, e senti il costo. La macchina non migliora. Diventa più profonda. E in quella profondità, diventa sacra.

Still Stoked About The Speed

Un paradosso avvolto nella gioia. “Still stoked” — non stanco, non rassegnato, ma vivo. Il titolo è un grido dal passato, che riecheggia nel presente. La traccia inizia con un arpeggio frenetico — veloce, brillante, quasi maniaco. Ma sotto: il ronzio lento e costante di un oscillatore Moog, radicato, eterno. La “velocità” non è velocità — è urgenza del sentire. Questo è il suono di un giovane artista, ancora trema di meraviglia, anche dopo anni di silenzio. Gli arpeggi sono stratificati in contro-punti caotici — ogni sequenza leggermente fuori fase, creando un'armonia tremolante e instabile. I battiti non sono programmati — sono suonati, con imperfezioni umane: un colpo mancato, un rullante ritardato. Il manifesto dice: “Non cerchiamo la novità per la sua stessa natura.” Ma qui, la gioia della velocità è la novità — non nella sua innovazione, ma nella sua autenticità. La traccia non si rallenta. Non ne ha bisogno. Perché la velocità non è nelle note — è nel cuore. La macchina canta ancora. Le mani si muovono ancora. L'anima accende ancora il fuoco. Questo non è nostalgia — è devozione. Anche dopo tutto questo tempo, anche dopo che il mondo ha dimenticato come ascoltare — sono ancora entusiasti. E questo è sufficiente.

5. L'Album come Artefatto Vivente

Xrizetauria non è un album. È una reliquia sacra. Un tempio sonoro costruito dal respiro dei circuiti analogici, dal sospiro del nastro in decomposizione e dalla persistenza silenziosa delle macchine che rifiutano di essere zittite. Ascoltare non è consumare — è partecipare a un rituale. Ogni traccia è un'incantesimo: “Do you Moog me?” “For instance it works in the dark too.” Questi non sono testi — sono preghiere. L'album non chiede la tua attenzione; richiede la tua presenza. In un mondo che riduce il suono a dati, .InfO OverLoaD lo resuscita come carne. Il Moog non è uno strumento — è un compagno. Il silenzio tra le note non è vuoto — è sacro. Questo album rivela un mondo in cui la tecnologia ha un'anima, dove l'imperfezione è sacra, e dove il passare del tempo non erode il significato — lo approfondisce.

Ascoltare “Pollen Dustmites” è stare in uno studio abbandonato e sentire il peso di tutta la musica che non fu mai rilasciata. Ascoltare “Murky” è accettare che la verità non brilla — scola. E quando l'ultima traccia, “Still Stoked About The Speed”, svanisce nel rumore statico — non senti perdita. Sentii riconoscimento. Questo è il suono di una lineage: non di fama, ma di fedeltà. L'album non finisce. Persiste — nel ronzio dei tuoi altoparlanti, nel ricordo di uno sweep del filtro che non riesci a collocare. Diventa parte del tuo respiro.

Xrizetauria non è stato creato per essere ascoltato di nuovo. È stato creato per essere ricordato. E nel ricordarlo, diventi parte della sua architettura — un'altra risonanza nella macchina infinita, imperfetta e sacra.